투어프로그램 > 고대유물과 미술기행 투어소개


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10:00 ~ 18:00
영국박물관 + 내셔널 갤러리
10시까지 지하철 “Tottenham Court Road” 역 3번 출구 밖 (Central, Northern Line)
일반(26세 이상) - 30파운드(47,000원)
학생(26세 미만) - 25파운드(37,000원)
준비물 : 1일 교통권(1~2존 Oneday Travelcard), 중식비
국민은행 계좌번호: 946501-01-161191 (예금주:류은주)
한국에서 : 001-44-(0)-798-200-7949
유럽에서 : 44-(0)-798-200-7949
영국에서 : 0798-200-7949
E-mail : englandbike-ryu@hanmail.net
 

 
   


영국박물관

너무 큰 이 박물관을 자세히 보려면 하루의 시간을 들여도 다 볼수 없을 것이다. 이 박물관을 보고 있으면 옛 대영제국의 힘을 느낄 수 있다.
 
 
[내셔널 갤러리]

이태리 피렌체의 우피치 미술관과 스페인 마드리드에 있는 프라도 미술관과 함께 여기 영국의 내셔널 갤러리는
세계 3대 미술관 중의 하나이다. 내셔널 갤러리는 1824년에 설립되었는데, 유럽의 여타 국립미술관과는 달리,
영국의 내셔널 갤러리는 옛 왕실 컬렉션의 기초 하에 세워진 것이 아니라 설립 후 150년이 넘는 동안 관장들의 취향에 따라 구입 된 작품들과 개인 소장가들이 기증, 유증한 작품들로 모양새를 갖추어 갔다. 어느 한 특정 화파나 화가의
그림만을 대표적으로 소장하고 있지도 않으며 미 전시 작품을 보관하는 거대한 지하 수장고도 없다. 2,000여 점에
달하는 작품 모두를 일반인에게 공개하고 있는 것이다. 순수하게 회화작품만 전시를 하고 있고 연대별로 전시를 하고
있는 것 등이 관람자 입장에선 꾀 매력적인 부분이 아닐 수 없다.
모든이가 다가서서 지속적인 즐거움을 누릴 수 있는 강한 상상력의 산물의 소장처이다.


 
산 로마노의 전투 (파울로 우첼로, 패널화, 템페라)

이 그림은 1432년에 있었던 피렌체와 시에나 간의 전투를 그린 역사화이다. 산 로마노에서 있었던 전투 장면을 세 장면으로 나누어 그린 연작의 하나로 나머지 두 장은 각각 파리 루브르 미술관과 피렌체의 우피치 미술관에 소장되어 있다. 템페라 기법의 석 장의 이 패널화는 모두 메디치가의 궁전에 있었던 것으로 메디치가의 주문에 의해 그려진 것이다.

니콜로 다 톨렌티노가 이끄는 플로렌스 군대의 승리를 묘사하고 있다. 이 그림의 진정한 의미는 원근법의 극치를 이루고 있는 것이다. 십자군 원정이 계속되고 유럽 각지의 도시가 탄생하기 시작하던 13세기경, 그 때까지 작은 지방도시에 불과하던 피렌체는 서서히 상업도시로써 세력을 키워나가게 된다. 한편 피렌체와 같은 토스카나 지방에 있던 도시 시에나도 간선 도로의 교차점에 있는 육상 상업도시로 번영해 나간다. 이 시에나와 피렌체 사이에 상업권을 둘러 싼 전투가 발발한 것은 1432년의 일로, 양군은 산 로마노에서 싸워 결국 피렌체가 승리하게 된다. 이 무렵 피렌체의 부호로 르네상스 예술의 후원자였던 메디치가의 코지모는 승리의 장면을 그린 그림을 그리도록 우첼로에게 의뢰하였다. 우첼로는 그의 특기인 기하학적인 원근법을 이용, 훌륭한 3부작을 완성해 냈다. 3부작 중 루브르의 것은 피렌체군의 미켈레트가 구원의 말을 달려 역습한 장면이고, 우피치 미술관 소장의 것은 시에나 군의 지휘관 베르나르다노가 낙마한 장면이다. 우첼로는 전쟁조차도 마치 아름다운 한 편의 시처럼 묘사해 낸 화가였다.
 

아르놀피니 부부의 결혼
(얀 반 아이크, 1434년, 유화)

네덜란드 르네상스의 개척자이며 유화의 실질적 발명가인 얀의 대표작이다. 세밀한 부분의 묘사가 가능한 유화의 특성을 잘 살린 이 그림만큼 감상하는 이에게 '그림 보는 즐거움'을 안겨주는 작품도 드물 것이다. 이 작품은 단순한 초상화처럼 보이지만, 두 인물의 전신상을 그린 15세기의 몇 안 되는 초상화 중 하나이다.
그리고 일반적으로 치밀한 세부 묘사는 현실적이고 혼란스러움을 가져 다 주는 것이 보통인데 이 작품에서는 세밀한 묘사에도 불구하고 신비스러운 분위기를 연출하고 있다. 그것은 이 작품에 등장하는 물건 치고 단순히 구색을 맞추기 위해 그냥 그려진 물건은 없기 때문이다. 강아지는 충성(충실함)과 복종을 뜻하고, 창가에 있는 사과는 원죄를 뜻하고, 신을 벗음은 신과의 신성한 약속을 뜻한다.

결혼은 일체가 여호와의 섭리 가운데 하나이다 그러므로 신성한 약속이다. 대낮인데도 불구하고 촛불을 켜 놓은 점은 결혼식임을 나타내기 위해..
뒷면 벽에 걸린 수정 묵주와 깨끗한 거울은 순결을 각각 상징하며, 거울 주위에는 예수의 10개의 고난상이 그려져 있다. 이처럼 사물이 간직한 깊은 의미로 인해 일견 평범해 보이는 이 그림은 종교화에 버금가는 성스러움을 보여주고 있다.
 

그리스도의 세례
(피에로 델라 프란체스카, 1450, 템페라)

그리스도가 요단강에서 합장을 한 채 서 있고, 세례자 요한이 옆으로 다가와서 세례를 하고 있다. 하늘에는 성령을 뜻하는 비둘기가 떠 있고, 금빛 찬란한 비칭 샤워기에서 물이 쏟아지는 것처럼 그리스도의 머리 위로 쏟아져 내리고 있다. 왼쪽 강가에는 세 명의 천사가 이 의식을 지켜보고 있으며, 오른쪽 뒤의 강가에서는 한 사내가 세례를 받기 위해 옷을 벗고 있다. 그리고 그 뒤로는 화가의 고향 산세폴크로의 경치를 연상시키는 풍경이 그려져 있다.

화면은 효과적인 인물배치-삼각구도와 수평 수직의 기하학적 구도, 치밀하게 계산된 인물의 간격-와 미세한 먼지 입자로 가득찬 것 같은 색감으로 영원성과 묵감을 부여 받고 있다. 특히 옷을 벗으면서 멈추어진 사내의 동작에서 화면은 영원히 정지한 듯한 느낌이 든다. 먼지가 뿌옇게 낀 것 같은 화면은 화가의 특징이다.
 

 
 
비너스와 마르스 (산드로 보티첼리, 1445경-1510, 목판에 템페라와 유채)

이 그림은 이탈리아 이외의 지역에서 볼 수 있는 보티첼리의 유일한 신화화이다. 그는 메디치가를 중심으로 한 고전 문학자들의 분위기를 충분히 흡수하여 가장 잘 표현한 화가이다. 하지만 피렌체를 중심으로 하는 사실주의에 깊이 빠지지 않고 자신만의 세계-독자적인 시정과 곡선의 묘미를 장식적 화면에 되살려내는 미의 세계를 창조했다.

이 그림은 사랑의 신 비너스와 여신 옆에서 잠들어 있는 전쟁의 신 마르스를 보여준다. 같은 주제를 다룬 여타의 다른
그림처럼 이 그림은 미와 용기, 또는 사랑 앞에 무릎 꿇은 갈등을 우의적으로 나타낸 것이다. 아기 사티로스는 마르스가 내버려둔 무기를 갖고 놀고 있다. 이들 중 하나는 비너스의 명에 따른 것인지, 그의 귓가에 소라고동을 불어대어 그를 깨우려고 한다. 다른 사티로스는 그의 갑옷에 기어올라 조롱박을 잡고 있다. 나무에 둥지를 튼 장수말벌은 마르스의 머리 주변에 떼지어 있어서, 비너스가 가져온 사랑의 즐거움에는 고통도 따를 수 있음을 말하는 듯하다. 원경에는 여신이 태어난 바다가 보인다.

사랑과 시간의 알레고리<우의>
(아그놀로 브론치노, 1540-1572, 목판에 유채)

브론치노는 코시모 드 메디치 공작의 궁정화가 였는데, 메디치가
프랑스의 프랑수아 1세에게 보낼 선물로 이 그림을 제작하도록 했다고 한다.
'독특한 미를 갖춘' 작품으로, 누드의 비너스와 그녀에게 입맞추는 큐피드가 자리잡고 있고 그 한편에는 어리석음과 또 다른 사랑이,
다른 한편에는 속임수와 질투, 그리고 애욕이 보인다. 작품의 주제는 명확하다. 음탕한 쾌락 추구가 어떠한 결과를 가져오는지를 도덕적으로 훈계하는 그림인 것이다. 쾌락은 고통을 가져오고, 그것은 쉽게 망각될 것 같지만, 시간은 언제나 진실의 편이어서 진실을 드러낸다는 것이다. 그렇지만 이 그림을 보다 보면 작의가 훈계하겠다는 건지 문제가 된 음탕함을 시각적으로나마 함께 보고 즐기자는 건지 도저히 구분이 안 된다. 르네상스 이후 우리는 서양미술에서 이같이 도덕적인 주제에 에로티시즘을 더한, 보다 정확히 말하면 에로티시즘을 도덕으로 포장한, 그런 그림들을 빈번히 대하게 되는데, 이는 에로티시즘의 미학이 태생적으로 '예술이냐, 외설이냐'의 시비를 안고 있는 것임을 단적으로 보여 주는 것이다.
 

대사들 (한스 홀바인, 1533)

독일어권에서 활동하다 종교개혁의 열풍을 피해 영국으로 이주한 한스 홀바인 2세(1497/8~1543)는 특히 초상화에 뛰어난 재주를 보였다.
그의 정확한 관찰과 뛰어난 기법은 섬세한 선에 기초한 사실주의적 경향을 보인다. 그는 영국에서 헨리8세의 궁정화가로 활동했는데, 그의 초상화는 뛰어난 관찰력을 바탕으로 인물을 본 그대로를 충실하게 묘사함으로써 당시 인물들의 모습을 생생하게 전해 준다. 이 작품은 인물을 중심에 배치하는 초상화의 관례를 깨고 중앙에 탁자를 그려 넣고 거기에 놓인 사물들의 묘사에 더욱 치중하고 있다. 왼쪽의 화려한 옷을 차려 입은 대사와 오른쪽의 대주교 사이에 그려진 탁자의 위쪽에는 과학과 천문학 기구들이 놓여 있다.
4월 11일로 날짜를 나타내는 원통형 해시계와 오후 10시 30분을 가리키는 다면체 해시계를 포함한 다양한 천문학 기구들이 놓여 있다.
아래쪽에는 보다 세속적인 관심의 대상들이 놓여 있다. 그런데 아래쪽 선반의 류트가 줄이 하나 끊겨 있고, 책은 독일어로 쓰여졌다는 점에서 이 그림은 특별한 의미를 갖는다. 위쪽이 조화로운 신의 질서를 상징한다면, 아래쪽은 독일에서 비롯된 종교개혁으로 인한 질서의 파괴, 유럽사외의 분열을 상징한다. 도덕성이라는 주제는 홀바인의 관심을 그린 주제 중 하나였다. 그의 일부 초기작품과 [대사들]과 같은 초상화에서, 이 주제는 세부의 사실주의로 인해 더욱 효과적으로 조명 된다.

매장 (미켈란젤로, 1500-01, 목판에 유채)

확실하게 미켈란젤로의 작품으로 추정되는 이젤화(일반적으로 옮길 수 있는 그림을 말한다.)는 거의 존재하지 않는다. 하지만 미완성이며 문서에 기록되지도 않은 이 그림을 미켈란젤로의 작품으로 보는 이유는 매우 간단하다.
그것은 조각 같은 느낌을 주는 인체 묘사이다. 섬세한 묘사보다
장대한 스케일과 조각적 인체를 구사하는 미켈란젤로의 특징이 너무도 뚜렷하기 때문이다. 미켈란젤로는 건축가이자 조각가였다. 그의 작품임이 분명한 패널화는 우피치에 소장된 소위 <도니 톤도>가 유명하다. 이 그림은 대부분의 학자들이 그의 작품으로 인정하고 있다. 인물의 해부학적 처리와 죽은 그리스도의 무게를 지탱하기 위해 애쓰면서 발산되는 긴장감을 보건대, 미술가는 하나의 조각 군상을 그림으로 그려내고 있는 듯하다.
 

암굴의 성모 (레오나르도 다 빈치, 1508, 목판에 유채)

루브르 미술관에 소장되어 있는 <암굴의 성모>에 비하면 인물상이 확대되고, 보다 대상에 접근하여 묘사하고 있다. 그 결과 상하의 부분이 잘린 것처럼 되었고, 암굴이 하늘에 솟아 있는 부분이 삭제되었다. 그리고 각 인물에는 천사를 제외하고 후광이 그려졌고 아기 예수, 성 요한에게는 십자가뿐만 아니라 천(布)도 그려져 있다.
천사가 내밀고 있는 손이 없어지고, 휘날리는 빨간 망토가 단순한 푸른 옷이 되어 있다. 루브르 미술관 작품이 가지고 있는 레오나르도의 독자적인 표현이 일반에게 알기 좋게 변경되어 있다. 제작 연도가 1506년부터 1508년 사이로서 루브르 소장 작품이 1490 년경에 그려진 것이므로 그 후에 또다시 제작한 것이라 측정된다.
 


바쿠스와 아리아드네 (티치아노, 1522-3, 캔버스에 유채)

크레테 왕의 딸인 아리아드네는 낙소스 섬에서 테세우스로부터 버림을 받았다. 몇몇 고전에는 아리아드네가 해안가를 따라 허리띠도 매지 않은 채 정신없이 방황하고 있을 때, 바쿠스가 치타(표범)가 끄는 이륜차에서 뛰어오르며 그녀의
왕관을 하늘로 던져버리고는(이로써 성운이 창조되었다) 그 즉시 그녀와 결혼을 약속했고, 이에 아드리아네가 놀라는
장면이 묘사되어 있다. 바쿠스는 사티로스와 바쿠스 예찬자, 술취한 당나귀에 탄 실레누스를 무리로 이끌고 있다.

꿈틀거리는 뱀으로 허리를 감싼 그의 추종자들은 탬버린과 침벌스, 살육한 어린 암소의 다리 등 여러 가지를 다양하게 손에 들고 있다. 티치아노 이전의 이탈리아 미술에서는 이 주제를 그다지 다루지 않는 편이었다. 구성상 그림의 오른편은 트로피를 들고서 흥에 취한 이들이 벌이는 승리의 행진으로 볼 수 있다. 그 생동감은 바쿠스와 아리아드네가 간결한 배경을 뒤로 한 채 서로를 응시하고 있는 텅 빈 왼편과 대조된다. 아리아드네는 깜짝 놀라 호기심어린 눈으로 그를 바라보고 바쿠스는 그녀를 보자마자 한눈에 반해버리지만, 바쿠스의 무리는 단지 맨 앞 열에서만 그녀의 존재를 알아차릴
뿐이다. 연인들은 곧 결합할 것이고 주연의 춤은 중지될 것이다.

버지널 앞의 여인
(요하네스 베르메르, 1670, 캔버스에 유채)

렘브란트와 함께 네덜란드 회화의 전성기를 구가한 베르메르는 직업화가는 아니었지만 작품의 완성도는 취미의 영역을 뛰어넘고 있다. 색의 조화가 뛰어난 적.청.황의 정교한 대비로 묘사된, 일상의 모습을 주제로 한 작품에서 북 유럽의 아침 공기와 차분히 가라 앉은 고요한 정취가 물씬 풍긴다.
 

서른 넷의 자화상
(렘브란트, 1640, 캔버스에 유채)

렘브란트 34세 때의 초상화이다. 이탈리아
풍의 호화로운 옷을 걸치고 베레모를 쓰고
의연히 앉아 있는 모습은 세속적인 성공을
거둔 화가의 자신감 넘치는 모습으로도 보인다그러나 화풍으로 보아 이 작품의 중요성은
그것이 렘브란트의 이탈리아 회화에 대한 관심을 보여주고 있다는데 있다.
 
 
벨사살의 향연 (렘브란트, 1636-8, 캔버스에 유채)

바로크기를 대표하는 화가의 작품답게 극적인 장면과 동적 구성, 카라바지오식의 광선이 보이는 작품이다. 렘브란트의
풍요로웠던 10년에 그려졌던 작품으로 구약성경[다니엘 5장 1절~7절]에 나오는 바빌론 최후의 왕 벨사살의 이야기를
소재로 한 것이다. 벽에 적힌 히브리어는 오른쪽에서 왼쪽으로 내려 읽으면 ' Mene, Mene Tekel Upharsin ',
즉 벨사살과 바빌론 왕국의 멸망과 왕의 죽음을 예언하고 있다. 과연 그날 밤 왕은 살해당한다. 벨사살은 예루살렘의
신전에서 약탈한 귀한 그릇으로 왕자와 처첩을 위한 잔치를 벌이던 중 신이 쓴 글을 보고 놀란다. 일종의 기호로 되어
있으므로 왕이나 현인들은 그 글을 해석할 수 없었다. 이에 예언자 다니엘이 불려가 왕에게 내용을 설명해 주었다.


예순 셋의 자화상
(렘브란트, 1660, 캔버스에 유채)

이 만년의 역작은 렘브란트 생애의 질곡을 보여준다. 아내와 아들을 잃고 질병에 시달려온 노년의 렘브란트를 생각하면, 작품 속의 화가의 모습은 처연하기 그지 없다.
그의 관심은 오로지 얼굴과 손에 있다. 화가로서의 삶의 의의와 의지를 자신의 손(예술)에 걸고 있음을 말하고 있는 것 같다. 묵묵히 세상을 직시하는 노 화가의 자화상에서의 핵심은 절제에 있음을 알 수 있다. 그 어떠한 동요도 없는 잔잔한 표정과 극도로 절제되고 엄격하게
다루어진 물감에서 티치아노 후기의 작품을
연상케 한다.
 

 
파리스의 심판 (페테르 포울 루벤스)

여체의 관능적인 풍만한 몸매와 그 건강미에 이상(理想)을 추구하였던 루벤스에게는 그리스 신화의 미신(美神)은
적합한 주제였다. 특히 이탈리아에서 라파엘로와 티치아노의 작품을 보았고, 고대 조각의 미를 수학한 루벤스는
<三美神> 또는 <파리스의 심판>을 여러 번 그렸다. 이 작품에서 세 미신은 탄력있고 윤기있는 육체의 촉감적인
관능미를 과시하고 있다. 루벤스는 이와 같은 여체의 특성을 직접 광선으로 조명 시켜 그 형태를 돋보이게 하고 있다.
이 여신들의 표출을 충분히 하기 위하여 루벤스는 360도 각도로 회전시키고 있다. 정면, 측면, 후면으로 세 여인이 자세를 보이고 있는 점이, 루벤스의 여체에 대한 미적 관찰이라 할 수 있다. 화면 좌측 나뭇가지 위의 올빼미는 지성을 표상(表象)하고, 땅 위의 투갑과 창은 무력(武力)을 표상하고, 공작새는 사랑과 결혼을 표상한다.

거울 앞의 비너스<록비 비너스>
(디에고 벨라스케스, 1647-51, 캔버스에 유채)

17세기 바로크 전성기의 스페인의 궁정 화가였던 벨라스케스의 명작이다. 빛과 대기의 표현과 구도에 대한 연구 등으로 서양 회화사에서 위대한 업적을 남긴 벨라스케스의 4점의 나체화 중 유일하게 전해지는 작품이다. 옆으로 길게 누운 나부는 당시 화가들이 즐겨 그리던 제재였으나 뒤에서 그렸다는 점과 날씬한 나부상이라는 점이 특이한 작품이다. 화가는 여체의 관능성 보다는 자연스레 우러나는 부드러운 여체의 곡선에 관심을 보이고 있다. 종교재판이 있던 스페인에서 남녀를 불문하고 나체상을 그린다는 것은 대단한 일이었다. 그런데도 불구하고 큐피드만 없다면 신화 속의 여인이라고 생각되지 않는 이 작품을 그린 벨라스케스의 대담함과 정열, 그리고 누구도 함부로 할 수 없던 화가로서의 그의 위상을 생각하게 하는 작품이다. 또한 루벤스와 두터운 친분이 있었음에도 불구하고 루벤스의 여인과는 너무도 다른 벨라스케스의 개성이 감지되는 작품이다.

 
유행에 따른 결혼 (윌리엄 호가스, 1743, 캔버스에 유채)

호가스는 18세기의 부유층과 귀족들이 벌이던 향락 위주의 생활을 날카로운 눈으로 비판한 영국 화가이다.
그는 풍작류의 그림으로 무대에서 보여지는 희극 같은 그림을 그렸다. 이 작품은 원래 6점으로 이루어진 회화 연작이다. 이를 엔그레이빙(조각동판화)으로 작업하여 1745년 출판했는데, 호가스의 도덕적인 주제에 의한 연작 중 아마 가장
유명한 작품으로 꼽힐 것이다. 연작의 주제는 당대의 상류층 생활상과 돈과 허영에 기반을 둔 결혼풍속을 비꼬고 있다.

<결혼 계약> 이 이야기는 사치로 재산을 소진한 귀족이 자신의 아들을 부유한 상인의 딸과 정략 결혼시키는 것으로
시작한다. 오른쪽에 앉은 귀족은 짐짓 위엄을 가장하고 있으며, 돈은 많지만 교양 없는 상인의 모습은 희화 되어 있다. 앞쪽에 보이는 한 쌍의 개처럼 곧 족쇄를 차게 될 약혼한 남녀 한 쌍이 왼편에 자리한다.



<결혼 직후> 철없는 젊은 부부는 결혼 한 직후부터 무절제한 생활을 계속한다. 향락가에서 밤을 지새우고 아침에야
돌아온 남편의 옷 매무새는 흐트러져 있고, 안주인 역시 밤사이의 카드놀이로 지쳐있고 느지막이 아침식사를 하고 있다. 피로연의 각종 청구서에 집사만 발을 동동 구른다. 특히 벽난로 위가 중국풍의 장식물들로 번잡하게 장식되어
있는 것은 그들이 사치스러웠을 뿐 아니라 교양이 없다는 것을 의미한다.



<돌팔이 의사를 방문하다> 그림의 주제는 성병이다. 자작은 즐거워하면서 어린 소녀 정도로 밖에 안 보이는 정부를 데리고 돌팔이 의사를 방문한다. 주제의 불길함은 방 안의 물건들로 암시된다. 이들 한 쌍의 남녀 뒤로 보이는
해골조차 옆 사람에게 호색적으로 다가가는 듯하다.



<백작부인의 아침접견> 이제 백작부인이 된 여주인공은 침상과 거울 앞에서 머리장식을 하면서 아침접견을 하고
있지만, 실버텅을 제외한 다른 손님은 모두 무시하고 있다. 그는 가면무도회에 그녀를 초대한다. 그들 밀애의 진행은
악테온의 뿔을 가리키고 있는 전경의 흑인 소년에 의해 지시된다.



<백작의 살해> 장소는 가면무도회가 끝나고 백작부인과 실버텅이 들어간 여인숙이다. 백작이 불시에 덮치자
실버텅은 그를 죽이고서 창문으로 도망치고 있다.



<백작부인의 자살> 백작부인은 호외에서 실버텅이 자기 남편을 죽인 죄로 교수형에 처해진다는 사실을 방금 읽었다. 백작과 그녀 사이에 낳은 아기로, 아버지처럼 병들어 보이는 아들은 엄마에게 안기려 한다. 한편 그녀의 아버지는 딸의 손가락에서 다이아몬드 반지를 빼내고 있다. 백작부인의 아버지가 사는 집인 듯한 방은 깨진 창문과 배곯은 개 등
가난한 그의 형편을 보여준다. 아마도 그녀의 아버지는 본래 미천한 신분이었거나 아니면, 좀더 그럴 듯한 이유로
딸의 지참금으로 모든 재산을 썼을 것이다. 그리고 그런 허영에 기반을 둔 결혼은 이제 파국을 맞았다.
 

전함 테메레르의 최후 (터너, 1838-9, 캔버스에 유채)

19세기 영국은 컨스터블과 터너라는 위대한 풍경화가를 맞이한다. 컨스터블이 전원적인 평화를 그렸다면 터너는
역동적이고 강력한 자연의 힘을 즐겨 그린 화가이다. 특히 그가 즐겨 다룬 것은 자연의 변화가 민감하게 나타나는
강이나 해양이었다. 지는 해에 의해 강조된다. 그림은 시대, 즉 낡은 배의 시대와 젊은 예인선의 시대를, 그리고 상징적을 옛 시대가 지나고 그의 그림에서 낡은 배의 유령 같은 형태는 강력한 검은 예인선과 대비되며, 테메레르의 마지막
항해가 주는 통렬함은 화려하게 새로운 산업시대가 도래했음을 암시하고 있다.
 
 
건초마차 (존 컨스터블, 1821, 캔버스에 유채)

영국의 가장 위대한 풍경화가인 컨스터블은 서퍽주의 이스트버골트 출신으로, 그가 영감을 끌어낸 곳도 바로 서퍽이었다. 이 작품은 컨스터블이 '한낮의 풍경'이라고 이름 붙였으나. 그의 친구에 의해 오늘날의 이름으로 정해졌다.
이 그림은 그의 그림 중 가장 유명할 뿐만 아니라 영국 회화 중에서도 가장 유명한 것 중 하나이다.
<건초마차>의 배경은 화가의 아버지 소유였던 플랫포드 밀 근처인 스투어 강이고 그림 속의 집은 이웃주민 윌리 롯의 집이다. "윌리 롯은 이 집에서 태어나 80년을 살아왔으나 집을 떠난 일수가 채 나흘도 넘지 않는다고 한다." 무더운 여름, 평화로운 전원에서는 말을 쉬게 하기 위해서 개울에 마차를 세우는 것은 매우 중요한 일이었고, 그러한 일상은 말에
대한 사랑과 애정이 넘치는 광경이었다. 이 작품에서 상쾌한 대기는 맑고 밝은 빛과, 그 반사로 인한 그늘로 나뉘어져
있어 빛의 절대성을 보여주고 있다. 평화로운 전원, 특히 하늘의 변화에 관심을 보인 컨스터블은 무궁무진 피어나는
구름과 대기, 그리고 빛을 표현하려 했는데, 이는 네덜란드의 해양화의 영향에 의한 것이다.


라 그르누이에르 (클로드 모네, 1869)

라 그르누이에르는 세느 강변의 유명한 행락지로서 모파상이 소설 무대로도 자주 등장한다.
빛이 희롱하는 물의 표현에 적잖은 관심을 지니고 있었던 모네는, 먼저 이 놀이터를 찾아와 제작에 전념하고 있었던
르느르와 1869년의 한 여름을 함께 보냈다. 화면 오른 쪽에 보트를 빌려주는 곳이 보이며, 여기서 다리를 건너 몇몇
사람들이 중앙의 작은 섬 그늘에 모여 있다. 이 그림의 명암은 모두가 색채의 선명한 대비가 되어 빛을 반사하는
수면과 그늘의 인상을 명쾌하게 표현하고 있다. 특히 리듬이 있는 재빠른 필촉은 물의 반사와 사람들의 움직임을
발랄하게 포착하여 여름 휴일의 분위기를 잘 나타내 주고 있다.

 

아니에르의 물놀이<멱감는 사람들> (조르주 페에르 쇠라, 1884, 캔버스에 유채)

신인상주의 화가 쇠라의 점묘법에 의한 첫 작품이다. 짧은 생애에 몇 점 안 되는 작품을 남기지만 그의 업적은 대단하였는데, 그것은 인상파 기법의 과학화였다.그가 하나의 작품을 그리는데 대체로 1년 이상이 걸린 것은 이러한 과학적
치밀함과 대작에 주력한 것에 기인한다. 그는 다른 인상파 화가들과는 달리 화실에서 작업을 완성했다.
그의 작업 방법은 정성 들여 구도를 잡고, 사람들의 자세와 의상은 상세한 소묘를 통해 그리는 것이었다. 아니에르는
많은 인파들로 시끌벅적한 강변이지만 이 화면에는 정적이 감돌고 있다. 평범한 일상의 한 장면이 쇠라에 의해 영원성을 부여 받고 있는 것이다. 쇠라는 이런 장면 연출을 위해 수많은 스케치를 하였고 최종적으로 이와 같은 구도에 도달하였다

대수욕<목욕하는 사람들>
(폴 세잔, 1900-05, 캔버스에 유채)

생애 내내 풍경 속의 누드라는 르네상스적 주제에 매료되었던 그는, 누드를 그리기에는 소묘가로서의 자질이 충분치
못하긴 했지만, 대개 소품으로 목욕녀들을 몇 점 그렸다. 하지만 1895년에서 그가 죽음을 맞은 1906년 사이에는 이를
주제로 3점의 대작을 그렸는데, 이 작품은 시기적으로 가장 이른 예인 듯하다. 프로방스에서는 모델을 구할 수 없어서 혹은 실제 인물을 누드 모델로 하여 이웃을 시끄럽게 하고 싶지 않아서인지, 세잔은 그림습작을 위해 지난 수년간 자신이 그렸던 누드를 이용하였다. 그렇지만 3점 모두 기본 소묘는 상당히 왜곡되어 있다.
대상의 표면을 전하고자 하는 인상주의자들과 달리 세잔의 접근방식은 좀더 분석적이었으며, 색채만으로 형태를 이루어내려고 시도하였다. 목욕녀를 그린 그의 대작 중 이 그림을 포함하여 2점은 1907년 파리의 살롱 도톤에서 전시되어,
브라크와 피카소가 시도하던 입체주의 회화 발전에 결정적인 영향을 미쳤다.

해바라기
(빈센트 반 고흐, 1888, 캔버스에 유채)

1888년 여름, 그는 아를르에서 몇 점의 해바라기를 그렸는데, 이는 고흐가 동생에게 쓴 편지에 '고갱과 함께 쓸 아틀리에를 해바라기 그림만으로 장식할 것이다.' 라는 데서 알 수 있다. '해바라기=고흐' 라는 등식을 생각하게 하는 이 유명한 그림은 꽃이 3송이, 12송이, 14송이인 것이 있다. 하지만 이 그림에서는 14개가 아닌 15개의 꽃송이가 보인다. 고흐의 편지에 의하면 15송이 짜리는 없는데 이는 그가 이 그림을 14송이 짜리라고 생각한 탓일 것이다. 여기에서는 후기에 보이는 강렬한 붓 놀림은 아직 보이지 않는다. 고흐의 작품 대부분은 그의 빈곤한 생활 탓으로 큰 작품이 거의 없고, 대부분의 작품은 이 그림의 크기이다. 기차 창 밖으로 가득 펼쳐진 유럽의 해바라기 밭을 보면 고독하게 살다간 고흐가 생각난다.